Началото на детската арттерапия
В публикацията се разглеждат практиките на пионерите в детската арттерапия от края на XIX до средата на XX в. Описани са използваните подходи и техники на работа при занятия с деца. Основната идея за използване на изобразителните инструменти в детската арттерапия е инспирирана с цел развитие на емоционалната интелигентност, когнитивните процеси и креативността. Също така целта на авторите на разработените методики е да се следва спонтанният изказ и непринуденост в изобразителната дейност, което осигурява по точна информация за вътрешния свят на детето и актуалните му преживявания.
Още в края на XIX век участникът в движението на Густав Климт – Франц Чизек, съсредоточава вниманието си върху детското изкуство. Както е известно, движението на Климт е насочено против академичното изкуство и традиционните форми на художествено образование. Вярвайки във възможностите на отделната личност, Чизек активно подтиква посещаващите неговите занятия деца към свободно самоизразяване. Както по-късно Едуард Адамсон и Ейдриан Хил, Чизек смята, че основната задача на художествения педагог се състои в това да създаде в своето студио благоприятна среда, да установи с участниците близки и дори приятелски отношения и да създаде творческа атмосфера. Активно пропагандира своя подход, като провежда многобройни занятия с децата. Може да се каже, че неговият модел на работа по много свои приложни идеи напомня онези форми на ранна, индивидуална арттерапия, които до 60-те години на XX в. са характерни за много страни. Както отбелязва Даяна Уолър, образователната философия на Чизек е под силното влияние на индивидуалната арттерапия, практикувана във Великобританияi.
Аналогичен на подхода на Чизек е и този на редица други основатели на детската арттерапия като Хърбърт Рийдii и Виктор Лоуенфелдiii. Те разглеждат заниманията на децата с изобразително творчество като инструмент за развитие на тяхната емоционална сфера, мислене и естествена креативност.
Мелани Клайн прави още една стъпка, предоставяйки предмети за игра: моливи, хартия, ножици, конци... Изборът ѝ на детската аудитория е мотивиран от непосредствеността и спонтанността в желанията на децата да опознават света на изкуството, от една страна, а сериозната съпротива, с която се сблъсква при зрелия индивид, е другото ѝ основание.
Доналд Уиникът (като реакция срещу практиките на интерпретация и преди всичко заставайки срещу системата на наблюдение на Клайн) прокламира участието в игрите под формата на скуигъл (последователно рисуване на драскулки първо от терапевта, после от детето, което ги довършва), при който рисунката се превръща в преходен предмет. При тази техника се започва с произволно скициране, което се допълва от пациента и така се създава пространство на обмен между двамата, изпълнено със символика – единственото място, в което най-точно се вписва арттерапията. Целта е да се даде възможност на детето да сподели проблемите или конфликтите по безопасен начин – чрез артистична изява, която е негов естествен език.
Няколко години по-късно, без пряка връзка с терапията и още по-малко с психоанализата, а по-скоро от поведенческо вдъхновение, в университета в Сан Диего Бети Едуардс създава метод за обучение по рисуване, основан на откритията на невропсихологията в сферата на мозъчните изследвания. Творбата ѝ Да рисуваме с дясното полукълбо на мозъка си веднага става световен хит.
Вследствие на многобройни и продължителни проучвания се формира силогизмът, че двете хемисфери на мозъчната структура не функционират по еднакъв начин: в лявото полукълбо се откриват зони (със стимулни и развиващи функции) на областта на писмения изказ, говора и четенето, докато в дясното полукълбо се идентифицират полета с функции на праксите (двигателна дейност, ориентация към дадена цел) и гносите (идентифициране на когнитивните процеси: възприятия, представи, понятия и т.н.). Лявото полукълбо е специализирано в концептуалното мислене, а дясното полукълбо съответно е профилирано в образното мислене и практиката. Разработките от 60-те години показват, че при някои доста специфични обстоятелства може да се стигне до разделно функциониране на двете полукълба – факт, считан за невъзможен до този момент. Приложната концепция на Бети Едуардс използва изводите от съдържателната двумерност на хемисферите, за да конструира специфична техника за обучение по рисуване.
1. Иска от учениците си да прерисуват относително прости рисунки, но наопаки, с главата надолу, без да се опитват да видят как ще изглеждат, ако се обърнат на правилната страна.
2. Поставя задача на учениците си да изобразят дърво, цвете или произволен предмет, без да гледат. Човек в този момент вече не се намира в полето на обозримото, а в полето на действието и жестовете.
3. Развива идеята да се наблюдават и да се възпроизвеждат реверсивни форми – класическият пример с вазата-лице – лицето-ваза.
Тези техники са създадени, за да се откриват и усвояват формите, които ще ни отведат до жестовете, присъщи за рисуването (под въздействието на дясното полукълбо), без традиционното разпознаване на формата и целият процес от символични асоциации да застава между него и графичното му изображение (това става, като се блокира влиянието на лявото полукълбо).
Така рисуването престава да бъде привилегия само на елита. Рисуването според Бети Едуардс е като карането на колело: научаваш се, като караш, а не от книгите, и веднъж като си се научил, то става спонтанно, без да изисква никакъв размисъл.
Именно това е важното в арттерапията: да се намери автентичен и спонтанен начин на изразяване. Както казва самата Едуардс: Рисунката може да се окаже мощно лекарство както за възрастни, така и за деца. Една рисунка може да ви даде възможност да откриете и да определите какво чувствате. Мнемоничният сигнал от дясната част на мозъка, чрез процеса на рисуване, може да се индуцира в лявата част на мозъка, където се намира фиксираната зона на проблема. А лявата част на мозъка може на свой ред да мобилизира специфичния си и ефикасен потенциал, а именно, езика и логичната мисъл, за да разреши проблема.
Привърженик на спонтанния изказ в художествения процес, Наумбърг – една от първите, използвала термина арттерапия, през 40-те години развива техниката на драскулките, придружена с кодирана система за разчитане, чрез която смятала, че интерпретира произведенията на клиентите си. Много от техниките чрез драскулки са развити, за да помагат на хората да създават спонтанни изображения и те идват от художниците на XX в., експериментирали по различни начини за създаване на изкуство на подсъзнателно ниво. Техники като автоматично рисуване с молив или бои, наречени физически автоматизъм, са помагали за достигане до подсъзнателната мисъл.
В своите психоаналитични изводи Наумбърг приема, че спонтанният начин е непосредствен и нецензуриран опит за превръщането на подсъзнателните конфликти в образни форми. С помощта на арттерапевт тези изображения могат да служат като средство за саморазкриване особено ако за тази цел се прилагат свободните асоциации. Също така забелязва, че този начин на изява извежда евристичния потенциал у мнозина – притежаването на неподозирана творческа инициативност и способността да създават оригинални и живи картини дори когато никога не са се приемали за художници.
Американската арттерапевтика предпочитала цветни тебешири и казеин (плакатни бои) за спонтанното рисуване, защото били лесни за употреба, а в процеса на обучение в техниката на драскулките използвала големи формати хартия, пастели или бои. Предварително художниците били обучавани как да отпускат телата си, за да могат да се отдадат възможно най-свободно на рисуването. След което ги насърчавала да рисуват без никакви съзнателни жестове, изобразявайки дълги вълнообразни линии върху хартията, без да вдигат пастела или четката с боята от листа. При завършването на работата предлагала да се вгледат в нея и да се опитат да открият рисунка, форма, предмет, човек, животно или пейзаж. Рисунката се обръщала от всички страни в търсене на изображение, което може да бъда доразвито или променяно.
Наумбърг била категорична, че изображенията, които се появявали след рисуването с тази техника, в никакъв случай не трябва да се използват за диагностициране. Тя смятала, че това е пътят за освобождаване на спонтанни образи от подсъзнанието и насърчавала свободните асоциации в терапията. Все пак някои арттерапевти и психолози изучили рисуването чрез драскулки в търсене на характеристики, които могат да подскажат наличието на душевни заболявания или емоционални разстройства. Няколко диагностични подхода, използвани от арттерапевтите, включват и техниката на драскулки като част от терапията.
Флоранс Кейн – преподавател по рисуване и арттерапевт, също използвала спонтанните изображения – особено техниката на драскулките, като начин за насърчаване на творчеството при деца. Вярвала, че емоциите са важен източник за спонтанно рисуване и креативност. Прилагала три метода: рисуване на драскулки, движение и звук, за да помага на децата свободно да се изразяват чрез изкуството. Също като Наумбърг и тя била убедена, че спонтанната изява чрез изкуство насърчава свободните асоциации и разкрива подсъзнателните фантазии и мисли.
Много други терапевти са прилагали признатата вече като официална техника на драскулките като начин за стимулиране на подсъзнателната мисъл и създаване на спонтанни изображения.
Последовател на Наумберг и Ф. Чизек е Марион Ричардсън, която за пръв път използва една от разновидностите на детската арттерапия – рисуването със затворени очи. Според нея този метод помага на децата да установят връзка със своя вътрешен свят, което на свой ред съдейства за проява на спонтанното творчество.
Аналогичен контекст открива и Едит Крамер, като отбелязва, че всеки етап от емоционалното развитие на детето се характеризира със свои особености на изобразителната експресия. Формите на експресията се изразяват най-явно в използването на различни материали за художествено творчество на децата. Наблюденията ѝ показват, че в процеса на изобразителното си творчество децата преминават през следните етапи:
- създаване на йероглифи, размазване на боите по листа, изследване на физическите свойства на материалите;
- хаотично изразяване на чувствата, размазване на боите, удари с четката;
- стереотипен етап – копиране, създаване на линии и прости стереотипни форми;
- създаване на пиктограми, изпълняващи функцията на графична комуникация;
- етап на оформената експресия, т.е. създаване на символични образи, осигуряващи успешно самоизразяване и комуникация.
Целта на занятията на Крамер с децата е чрез постепенността на овладяване на етапите на експресията да се създадат устойчиви навици за изразяване на техните чувства и емоцииiv.
Дж. Мърфи и Д. Пейсли описват художествената работа в амбулаторни условия с импулсивни деца. Според тях в процеса на изобразителното творчество значително се увеличава способността на тези деца за установяване на контакт с околните, както и техните комуникационни навици. В резултат от гъвкавия подход към същността на образите, които рисуват, децата започват значително по-пълноценно да контролират своите чувства и да ги изразяват по адекватен начин v.
През 30-те и 40-те години на XX в. формиралият се подход към художественото образование на децата, имащ за основа провеждането на групови занятия с изобразително изкуство, намира все повече поддръжници. Много от водещите педагози от онова време са твърдо убедени, че задачата на художествения педагог се свежда единствено до осигуряването на необходимите условия и материали. Според мнението на тези педагози децата сами ще намерят онези художествени изразни средства, чрез които да разкрият вътрешния си свят, в това число онези емоции и проблеми, актуални за тях в конкретния период от време. Така детето намалява вътрешното напрежение, характерно за периодичните кризи на съзряването на личността vi.
Използвана литература
1. Копытин, А. И. Арт-терапия в эпоху постмодерна. С. Петербург, Семантика, 2002.
2. Waller, D. Group Interactive Art Therapy, Its Use in Training and Treatment. London, Rout ledge, 1993.
3. Riley S., Contemporary Art Therapy with Adolescents, London: Jessica Kingsley Publishers, 1999.
4. Petrie M., Art and Regeneration, London, 1999, p. 120.
THE BEGINNING OF CHILD ART THERAPY
Assoc. Prof. Dr. Roumiana Pankova
Abstract: The article examines the practices of the pioneers in child art therapy from the late 19th to the mid-20th century. It describes the approaches and techniques used with children. The basic idea of using visual tools in child art therapy was inspired in order to develop the emotional intelligence, cognitive processes and creativity. Also, the aim of the authors of the developed methodologies was to follow the spontaneous expression and ease in the fine art work, which provides more accurate information about the inner world of the child and its actual experiences.
As early as the end of the 19th century, Frants Chizek, a participant in Gustav Klimt's movement, turned his attention on children's art. As is known, Klimt's movement was opposed to academic art and the traditional forms of art education. Believing in the abilities of the individual personality, Chizek actively encouraged the children attending his classes to free self-expression. Just like Edward Adamson and Adrian Hill later, Chizek believed that the main task of the art educator was to create a favourable environment in his studio, to establish close and even friendly relations with the participants, and to piece a creative atmosphere. He actively propagated his approach by conducting numerous sessions with children. It can be said that his model of work on many of his applied ideas resembled those forms of early, individual art therapy that were typical of many countries until the 1960s. As Diana Waller noted, Chizek’s educational philosophy was strongly influenced by the individual art therapy practised in Great Britain?.
Similar to Chizek's approach was that of a number of other founders of child art therapy such as Herbert Read? and Victor Lowenfeld?.. They considered children's art activities as a tool for developing their emotional sphere, thinking and natural creativity.
In the 1920s, Anna Freud and Sophie Morgenstern were the first to use drawing as a means of communication with children: a child's drawing was interpreted and analysed in anticipation of a new drawing.
Melanie Klein went one step further by providing play objects: pencils, paper, scissors, thread... Her choice of the children’s audience was motivated by the immediacy and naturalness of children's desires to explore the world of art on the one hand, and the serious resistance encountered with the mature individual, on the other.
Donald Winnicott (as a reaction against the interpretative practices of, and above all standing against Klein's system of observation) proclaimed participation in games in the form of a squiggle (the successive drawing of scribbles first by the therapist, then by the child to complete them) where the drawing becomes a transitional object. In this technique, one starts with random sketching, which is supplemented by the patient, thus creating a space of exchange between the two, filled with symbolism - the only place where art therapy fits best. The aim was to enable the child to share problems or conflicts in a safe way - through artistic expression, which is being his natural language.
A few years later, not directly related to therapy and even less to psychoanalysis, but rather to behavioural inspiration, at the University of San Diego Betty Edwards created a method for teaching drawing based on the discoveries of neuropsychology in the field of brain research. Her book Drawing on the Right Side of the Brain immediately became a worldwide hit.
As a consequence of numerous and long-lasting studies, the syllogism was formed that the two halves of the brain structure do not function in the same way: in the left half we find areas (with stimulus and developmental functions) in the fields of written expression, speech and reading, while in the right half we identify fields with functions of the praxis (motor activity, orientation towards a set goal) and the gnosis (identification of cognitive processes: perceptions, notions, concepts, etc.). The left half is specialized in conceptual thinking and the right half is respectively profiled in figurative thinking and practice. Research works since the 1960s have shown that under some quite specific circumstances, the two sides of the brain can function separately, a fact previously thought impossible. Betty Edwards' applied concept used the findings from the substantive two-dimensionality of the hemispheres to construct a specific technique for teaching drawing.
1. Requires students to redraw relatively simple drawings, but upside down, without trying to see how they would look if turned to the correct side.
2. Sets students the task to draw a tree, flower or random object without looking. At this point one is no longer in the field of the observable, but in the field of action and gesture.
3. Develops the idea of observing and reproducing reversible forms - the classic example of Vase-faces – Face-vases.
These techniques were designed to discover and utilise the forms that would lead us to the gestures inherent to drawing (under the influence of the right side), without the traditional identification of the form and the entire process of symbolic associations to stand between it and its graphic representation (this is done by blocking the influence of the left side).
Thus drawing ceases to be the privilege of the elite alone. Drawing, according to Betty Edwards, was like riding a bicycle: you learn by riding, not from books, and once you have learned it, it happens spontaneously, without requiring any thought.
This is what is namely important in art therapy: finding an authentic and spontaneous way of expression. As Edwards herself said: Drawing can be a powerful medicine for adults and children alike. A drawing can enable you to discover and define what you feel. The mnemonic signal from the right side of the brain, through the process of drawing, can be induced in the left side of the brain where the fixed problem area is located. And the left side of the brain can in turn mobilize its specific and efficient potential, namely language and logical thought, to solve the problem.
A proponent of the spontaneous expression in the artistic process, Naumburg, one of the first to use the term art therapy, developed the scribbling technique in the 1940s, accompanied by a coded reading system, through which she believed she interpreted the works of her clients. Many scribbling techniques were developed to help people create spontaneous images, and these came from 20th century painters who experimented different ways of creating art on a subconscious level. Techniques such as automatic drawing with pencil or paints, called physical automatism, helped reach the subconscious mind.
In her psychoanalytic conclusions, Naumburg assumed that the spontaneous mode is an immediate and uncensored attempt to transform unconscious conflicts into figurative forms. With the help of an art therapist these images could serve as a means of self-disclosure especially if free associations were used for the purpose. She also observed that this mode of expression brought out the heuristic potential in many - the possession of unsuspected creative initiative and the ability to create original and vivid paintings even when they had never considered themselves artists.
The American art therapist preferred coloured chalks and casein (placard paints) for spontaneous drawing because they were easy to use, and she used large-format paper, crayons, or paints in the process of teaching the scribbling technique. Beforehand, the painters were trained how to relax their bodies so that they could devote themselves to painting as freely as possible. She then encouraged them to paint without any conscious gestures, drawing long wavy lines on the paper without lifting the crayon or paintbrush from the sheet. On completion of the work she suggested that they look into it and try to spot a drawing, shape, object, person, animal or landscape. The painting was turned on all its sides in search of an image that could be further developed or altered.
Naumburg was adamant that the images that appeared after painting with this technique should in no way be used for diagnosing. She believed that this was the way for releasing spontaneous images from the subconscious and encouraged free associations in therapy. However, some art therapists and psychologists in their search of features that might suggest the presence of mental illness or emotional disorders, studied painting with scribblings. Several diagnostic approaches used by art therapists also include the scribbling technique as part of the therapy.
Florence Cane, an art teacher and art therapist, also used spontaneous imagery - especially the scribbling technique - as a means to arouse creativity in children. She believed that emotions were an important incentive for spontaneous drawing and creativity. She used three methods: scribbling, movement and sound to help children express themselves freely through art. Like Naumburg, she was convinced that spontaneous expression through art encourages free associations and reveals unconscious fantasies and thoughts.
Many other therapists have applied the now officially recognized scribbling technique as a means of stimulating the subconscious thought and creating spontaneous images.
A follower of Naumburg and F. Chizek was Marion Richardson, who first used one of the varieties of child art therapy - closed-eye drawing. According to her, this method helped children to establish a relationship with their inner world, which in turn facilitated the manifestation of spontaneous creativity.
Edith Kramer also found an analogous context, noting that each stage of a child's emotional development was characterized by its own peculiarities of pictorial expression. Forms of expression were most clearly manifested in the child's use of different materials for artistic creativity. Her observations show that in the process of their visual creativity children went through the following stages:
- creating hieroglyphs, smearing paint on leaves, exploring the physical properties of materials;
- chaotic expression of feelings, smearing paint, brush strokes;
- stereotypical stage - copying, creating lines and simple stereotypical shapes;
- creation of pictograms fulfilling the function of graphic communication;
- stage of the formed expression, i.e. creating symbolic images that ensure successful self-expression and communication.
The goal of Kramer's workshops with children was to gradually master the stages of expression, to create stable habits for expressing their feelings and emotions.?
J. Murphy and D. Paisley describe art work in outpatient settings with impulsive children. According to them, in the process of artistic creativity, the ability of these children to establish contact with others, as well as their communication habits, significantly increased. As a result of the flexible approach to the essence of the images they drew, children began to control their feelings much more significantly and expressed them in an adequate manner.?
In the 1930s and 40s, the approach to children's art education, based on group art classes, found more and more supporters. Many of the leading tutors of the time were firmly convinced that the task of the art teacher was reduced solely to providing the necessary conditions and materials. In the opinion of these educators, the children themselves would find those artistic means of expression through which to reveal their inner world, including those emotions and issues relevant to them at that particular time period. Thereby, the child reduced the inner tension typical for the periodic crises of maturation of the person.?
BIBLIOGRAPHY
1. Копытин, А. И. Арт-терапия в эпоху постмодерна. С. Петербург, Семантика, 2002.
2. Waller, D. Group Interactive Art Therapy, Its Use in Training and Treatment. London, Rout ledge, 1993.
3. Riley S., Contemporary Art Therapy with Adolescents, London: Jessica Kingsley Publishers, 1999.
4. Petrie M., Art and Regeneration, London, 1999, p. 120.
Waller, D. Group Interactive Art Therapy, Its Use in Training and Treatment. London, Rout ledge, 1993, p. 70.
В книгата си Обучение чрез изкуство Хърбърт Рийд отбелязва дълбоката връзка, която съществува между твореца и избраната от него форма.
Виктор Лоуенфелд (1903–1960) – професор по артпедагогика в Пенсилванския университет.
Копытин, А. И. Арт-терапия в эпоху постмодерна. С. Петербург, Семантика, 2002.
Riley, S. Contemporary Art Therapy with Adolescents. London: Jessica Kingsley Publishers, 1999.
Копытин, А. И. Арт-терапия в эпоху постмодерна. С. Петербург, Семантика, 2002.
•••